En el enfoque del crítico de arte Herbertt Read, el expresionismo es 'uno de los estilos básicos que muestra una manera de percibir y representar el mundo que nos rodea'. Cuando al espectador se le pregunta que es lo que espera del expresionismo en el teatro, es probable que la respuesta sea vaga. En el realismo se puede decir que se espera que los actores se sienten en alguna silla y hablan del clima, pero en el expresionismo los actores se paran sobre ellas y gritan al mundo. No es difícil encontrar la razón; de todos los estilos dramáticos del siglo XX, ninguno ha probado ser más adaptable que el expresionismo con su elemento en común en todas las obras alineadas bajo esta etiqueta, y es su riguroso anti-realismo. El expresionismo comenzó como una forma de romanticismo desgastado y se desarrolló para convertirse en un tipo de realismo dialéctico tenaz. Ciertamente que en la actualidad se le asocia más [...] con el joven drama alemán de la primera década del siglo XX, del cual se origina. Actualmente, el término se define mejor por la obra a la que se le aplica que por el crítico que lo aplica. Sin embargo, en sus técnicas fundamentales ha sido una línea duradera de gran fuerza y vitalidad en la historia del drama moderno, que une escritores importantes como Strindberg y O'Neill, Brecht y O'Casey. (de: Teatro Moderno su Teoría y Práctica Vol. 3 de J.L. Styan, editado por la Universidad de Cambridge, 1981)

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El espíritu de la tierra de Frank Wedekind

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La anunciación hecha a María de Paul Claudel
No dejen de revisar si ya se publicó una obra simbolista femenina que aparecerá en los siguientes días

Argumentos de obras simbolistas

Hugo von Hofmannsthal

Gracias a la influencia de Nietzsche, surge el neo-romanticismo que prospera de manera especial en Austria, en el trabajo de Hofmannsthal (1873-1929), considerado por muchos críticos como el último poeta lírico de renombre en el siglo XIX, después de Goethe. Como dramaturgo, la carrera de Hofmannsthal se divide en dos partes; antes y después de 1900. En los primeros años escribió principalmente obras cortas como: El tonto y la muerte (1893), El emperador y la bruja (1895) y El aventurero y la cantante (1899).

El tonto y la muerte, muestra que a pesar de su neo-romanticismo, von Hofmannsthal no abogaba por códigos estéticos. En esta obra, Claudio, un joven esteta aristócrata, no hace más que pensar en el arte y la forma. Confrontado con la muerte, el poeta protesta diciendo que aún no ha vivido. En respuesta, varias personas (incluyendo su madre, una muchacha que lo amaba y un amigo) son convocados a presentarse de entre los muertos para demostrar que no ha vivido porque ha fracasado en comprometerse plenamente con cualquier cosa. Esta obra también es notable por su poesía extraordinariamente melódica y evocativa.

Aunque durante una década había sido aclamado como el más grande autor en lengua alemana, von Hofmannsthal vivió una crisis alrededor del año 1900 durante la cual llegó a pensar que las palabras carecían de sentido. Después de este período, la escritura de Hofmannsthal nunca llegó a ser la misma, sin embargo continuó trabajando luego sobre un drama importante, Electra (1903) que fue el menos característico de sus trabajos. Hofmannsthal parece haber adoptado el tono de la obra de Wilde, quizá porque estaba trabajando con Richard Strauss quien recientemente había trasladado a lenguaje musical la obra Salomé de Oscar Wilde en la que el autor irlandés esencialmente recreaba un mundo enfermo. En la obra de von Hofmannsthal, Electra vive únicamente para su venganza contra Clitemnestra y Egisto y, cuando su misión se ha cumplido, pierde la razón de su existencia. Como consecuencia, al final de su danza triunfal, permanece sobre la tierra despojada de vida. La poesía es marcadamente diferente a la que usó en sus primeros trabajos ya que se ve dominada por imágenes de carroña, cadáveres, serpientes, perros, etc.

La mayor parte de los trabajos posteriores del autor, fueron escritos en colaboración con Strauss y algunos de ellos son: El caballero de la rosa (1911), Adriana en Naxos (1912) –o hacia reelaboraciones basadas en trabajos anteriores. Dentro de esta última categoría están: Venecia preservada (1905), Everyman[1] (1912), El gran teatro del mundo (1922) basada en los autos sacramentales españoles, y La torre (1922, 1927) basada en La vida es sueño de Calderón de la Barca. Tanto La Torre como Everyman fueron clave en el Festival de Salzburgo[2] donde fueron las obras más importantes dentro del programa anual. La totalidad del trabajo de von Hofmannsthal se percibe como el de un poeta de gran calidad, pero su enfoque es pesimista, especialmente en sus trabajos finales, ya que da un lugar dominante a la creciente maldad. Hacia el final de sus días, llegó a pensar que la religión era la única respuesta. A pesar de este pesimismo, von Hofmannsthal mantuvo ciertos valores humanos básicos. Como Claude David dijo acerca de él: "El defiende la cultura, permanece leal al arte de la moderación en una época violenta e inmoderada. Conforme los problemas se alejan en la distancia histórica, su luz pacífica brilla más y con mayor brillo." De hecho, la reputación de von Hoffmansthal siguió creciendo mientras la de sus contemporáneos neo-románticos se apagaba.

Bibliografía:
Brockett, Oscar y F.Findlay: A Century of Innovation. A history of European and American Theatre and Drama since 1870. Prentice-Hall, Inc. New Jersey, 1973
Wikipedia. The free encyclopedia. http://en.wikipedia.org/wiki/Main_Page
Encyclopedia Britannica on line: http://www.britannica.com
[1] En drama y literature, el término 'todohombre' (everyman) ha llegado a significar al individuo ordinario con el que el espectador se puede identificar y que es colocado en circunstancias extraordinarias. El nombre deriva de una moralidad inglesa del siglo XVI, cuyo título es Everyman.
La parte contemporánea de everyman difiere mucho de su contraparte medieval, ya que el hombre medieval carecía de marcas de individualidad definidas para crear la universalidad de un mensaje a través de este drama moral.
[2] El Festival de Salzburgo es un importante festival de música y teatro, que se lleva a cabo en la ciudad austriaca de Salzburgo, el pueblo natal de Mozart. Es considerado uno de los festivales de música y teatro más concurridos del mundo. El primero de estos festivales tuvo lugar en 1877 pero luego fue discontinuado en 1910. En 1918, al terminarse la Primera Guerra Mundial, la idea de realizar un festival en torno a la figura de Mozart fue retomada, de la mano del poeta y dramaturgo Hugo von Hofmannsthal, el compositor Richard Strauss, el director Max Reinhardt y el director de orquesta Franz Schalk.

Gabriele D'Annunzio (1863-1938), fue un dramaturgo italiano cuyo trabajo se considera dentro del neo-romanticismo. Su trabajo cobra mayor importancia que el realizado por los estetas ingleses por su devoción a una amoral sensorial en la que la meta de experimentar la vida en su mayor intensidad, es más importante que todo lo demás. De hecho, la reputación de D'Annunzio depende tanto de su ostentosa vida personal como de su literatura.

La más conocida de las obras de este autor es La Gioconda (1898) que relata la vida de un escultor, Lucio, que encuentra a su esposa Silvia vacía como elemento inspirador el cual es aportado por su modelo Gioconda. El punto más alto de la obra llega cuando hay una confrontación entre su esposa y la modelo en la que las manos de Silvia son aplastadas cuando trata de salvar la estatua de la destrucción por parte de la misma Gioconda. Sin embargo, a pesar del sacrificio de Silvia, Lucio la abandona ya que considera que el llamado del arte está por encima de todo.

Otras obras de D'Annuncio son: La ciudad muerta (1898), Francesca de Rimini (1902), La hija de Jorio (1904) y La Piave (1918). En cada una de estas, los personajes centrales son como marionetas ya que están controladas por un solo deseo casi elemental, aunque los incidentes están narrados con una poesía poderosa y un compromiso apasionado. Los temas de D'Annunzio eran eróticos en gran medida, casi perverso y por consecuencia resultaban retadores, casi escandalosos. Conforme el tiempo pasó el autor y sus obras fueron perdiendo el atractivo y actualmente parecen más pretenciosas que escandalosas. Sin embargo en el período que va de 1900 a 1920 D'Annunzio fue considerado como uno de los dramaturgos más importantes de occidente.

Bibliografía:
Brockett, Oscar y F.Findlay: A Century of Innovation. A history of European and American Theatre and Drama since 1870. Prentice-Hall, Inc. New Jersey, 1973
Wikipedia. The free encyclopedia.

http://en.wikipedia.org/wiki/Main_Page Encyclopedia Britannica on line: http://www.britannica.com/eb/article-9028725/Gabriele-DAnnunzio

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Para el apartado de simbolismo, tenemos contempladas varias lecturas. En la sesión del miércoles pasado, se asignaron las siguientes lecturas: Salomé de Oscar Wilde y La Intrusa de Maurice Maeterlinck. Por favor, pónganse al día con sus lecturas.

La lectura para el miércoles 17 de octubre es Ubú Rey de Alfred Jarry.

Sesión sobre Oscar Wilde

Les dejo un video biográfico sobre Oscar Wilde (tarda un poco en bajar, pero creo que les gustará).

Mensaje para Rina y para Ma. Elena

Rina: No encuentro tu dirección electrónica. ¿Podrías, por favor, enviarme un correo para enviarte en respuesta las láminas de simbolismo que solicitaste?

Ma. Elena: ya está nuevamente el archivo de Teatralidad; es la tercera entrada en la columna de la derecha.

Siguiente módulo: SIMBOLISMO

Para iniciar el módulo del Simbolismo, tenemos que pensar en la contraparte del realismo-naturalismo y preguntarnos. ¿Qué es lo que tendríamos que promover si tuviéramos que combatir al realismo y al naturalismo, tomando en cuenta los elementos que esos estilos consideran importantes?

Algunos de los elementos que son importantes para el realismo-naturalismo son:

• Se trata de una postura científica que emplea sus métodos para influir en el arte
• Exige una visión objetiva de los modos del mundo
• Pretende 'mostrar' a la sociedad cuáles son sus males y poder poner remedio a ellos
• Copia los modos dialógicos de la gente común y corriente en situaciones extremas
• Privilegia asuntos de interés social
• No contempla la posibilidad de otras realidades que no sean aquéllas que se perciben a través de los cinco sentidos
• En suma, trata de poner sobre escena la vida cotidiana, en momentos extraordinarios, de la gente común y corriente (clase burguesa) del siglo XIX

Escena de Las tres hermanas

Les dejo la primera escena de la obra Las tres hermanas de Anton Chéjov. Está dividida en cuatro partes. El sistema se tarda un poco en cargar la película pero vale la pena esperar un poquito.

Para la lectura de Chejov

En 1897- se funda el Teatro de Arte de Moscú

Anton Chejov (1860-1904) fue el dramaturgo principal del Teatro de Arte de Moscú

Algunas obras:

La gaviota (1897)

El tío Vania (1897)

Las tres hermanas (1901)

El jardín de los cerezos (1904)

Características de la dramaturgia chejoviana:

• Apariencia de simplicidad
• Hazañas violentas y clímax emocionales ocurren fuera del escenario
• Las obras concluyen antes que el reverso de la fortuna se presente por completo
• La acción está enmudecida y mantenida como telón de fondo
• Se enfoca en una multitud de acciones aparentemente triviales y lugares comunes
• Estos detalles están elegidos y arreglados con un enorme cuidado para dar un efecto azaroso mientras, al mismo tiempo revelan carácter, emoción e idea
• La atención no se concentra en los eventos sino en la textura de la vida que los rodea y modela los caracteres y sus respuestas psicológicas
• Ya que los personajes no comprenden completamente sus propios sentimientos y motivos y dado que buscan encubrir y al mismo tiempo revelar sus emociones, es en esta aparente trivialidad del subtexto donde uno debe buscar las revelaciones que constituyen la acción dramática
• Chejov no crea villanos. Todos sus personajes son víctimas de fuerzas complejas, la mayoría trata de actuar decentemente. Lo que le sucede a cada uno es un resultado directo del tipo de persona que es.
• Así, carácter y destino son esencialmente uno.
• Conforme la obra progresa, Chejov gradualmente desnuda a sus personajes de ilusiones y revela las ansiedades y debilidades que están detrás. Sin embargo, en esta revelación hay tolerancia y compasión.
• El espectador está suficientemente distanciado de los personajes para verlos simpáticos y ridículos al mismo tiempo. Así lo cómico y lo patético están enlazados de una manera que da a las obras chejovianas un estilo propio.

Tomado de: Brockett, Oscar: A century of innovation. [v. bibliografía del curso]

Librodot

Les dejo otro vínculo para conectarse con librodot donde podrán encontrar algunas obras dramáticas (también hay textos de otros géneros) de los siguientes autores: Jean-Paul Sartre, Oscar Wilde, Bernad Shaw, Chéjov, Ibsen, Valle-Inclán, Williams, Karel, Joyce, Beckett, Arlt, Camus, Wagner y otros. Deben registrarse antes

Noticia de hoy en Milenio.com

13:05 Muere hija menor del escritor Strindberg a los 105 años
La sueca, que contrajo matrimonio dos veces, había nacido el 25 de marzo de 1902, luego de que Strindberg se casara en 1901 con la actriz noruega Harriet Bosse. Estocolmo.-La hija menor del escritor y dramaturgo sueco August Strindberg (1849-1912), Anne-Marie Hagelin, murió a los 105 años, según informó hoy el diario de Estocolmo “Dagens Nyheter”. Hagelin falleció ya el 17 de agosto pasado. La sueca, que contrajo matrimonio dos veces, había nacido el 25 de marzo de 1902, luego de que Strindberg se casara en 1901 con la actriz noruega Harriet Bosse. El matrimonio duró tres años. Posteriormente la hija vivió principalmente con su madre, y visitaba en forma ocasional a su padre. Sus progenitores se peleaban permanentemente por su custodia. Cuando Strindberg falleció en 1912 a los 63 años en Estocolmo, la menor de sus cinco hijos con tres esposas tenía diez años. Sus cartas a Anne-Marie Hagelin fueron difundidas recién hace cinco años en Suecia.

Sobre el Nietzsche y el darwinismo

Cuando abandonaba su pensión en Turín, el 3 de enero de 1889, [Nietzsche] observó a un calesero golpear a un caballo en el Palazzo Carlo Alberto. Cuando se aproximaba a defender al caballo, repentinamente se desplomó en plena calle. Fue conducido a sus habitaciones por algunos testigos y una vez en sus aposentos, comenzó a gritar y golpear las teclas de su piano donde poco antes había estado serenamente tocando algo de Wagner. Se le llamó al doctor quien diagnosticó 'degeneración mental'. Fue un veredicto irónico, como se verá... [del texto: El corazón de las tinieblas a la manera de Darwin]

¿Lo leíste? Te recuerdo que es una asignación para la siguiente sesión.

La más fuerte de Strindberg...

August Strindberg (1849-1912) realizó valiosas contribuciones al ideal del teatro realista-naturalista: El Padre (1887), La Srita. Julia (1888), Camaradas (1888) y Acreedores (1888).

Strindberg escribió una trilogía de obras cortas conocidas como 'obras de un cuarto de hora' que incluyen la obra del video que te muestro: La más fuerte (1889).

La anécdota es sencilla: La Srita. 'Y', es una actriz que se estima como una persona muy fuerte; ella ha tenido una relación con el esposo de la Sra. 'X'. La obra es un monólogo en el que la Sra. 'X' va mostrando la fortaleza que ha adquirido a pesar de la intromisión de la Srita. 'Y' en su vida, a través de su esposo. Por ejemplo, el hijo de la Sra. 'X' se llama como el padre de la Srita. 'Y', la esposa tiene que bordar tulipanes en las pertenencias de su esposo porque son las flores favoritas de la Srita. 'Y', etc. (claramente se deduce que el esposo infiel proyecta la imágen de la actriz en su propia esposa). La obra es sugestiva por el juego psicológico que se va desplegando en el monólogo -interesante, por cierto, para el trabajo actoral-. No está en español, pero espero que lo disfrutes. Recuerda que los temas de la guerra de los sexos, la lucha por el poder y el conflicto de voluntades son material recurrente en la obra de este autor sueco. Muy apropiada para una adaptación y actualización en ejercicios en los que necesitas obras cortas con pocos actores.

Aviso importante

Para las personas que nos están haciendo el favor de traducir Casa de Muñecas [la versión narrativa de Strindberg], si tienen algún problema, comuníquense conmigo a mi correo electrónico. Gracias

IMPORTANTE: SIGUIENTES LECTURAS

Espectros de Ibsen y

La profesión de la Sra. Warren ó

Trata de Blancas (subtítulo) de G. Bernard Shaw

como respuesta al escándalo de la producción de Casa de Muñecas H.L. Mencken dice que Ibsen, "no estaba interesado en la propagación de ideas, sino en la solución a problemas estéticos." en Introducción a las Once obras de Henrik Ibsen

Clela Allphin, dice:

... sobre al escándalo provocado por Casa de Muñecas, Espectros y Un enemigo del pueblo, que “Algunos críticos, indudablemente deseaban aplicar el control natal a [las] ideas [de Ibsen], pero él continuó poblando el drama con una nueva raza de Vikingos. Una obra, parecía contener los cromosomas de la otra.” Op. Cit. Pág. 17 (Las mujeres en la obra de Henrik Ibsen)

Respuesta directa a Ibsen

Elizabeth Baker, publica su obra Cadenas (1906), que es una respuesta directa a Casa de Muñecas, su drama finaliza también con un portazo, pero es Charley, el esposo, quien abandona a su familia porque considera que su trabajo es más importante.

Sobre Casa de Muñecas

En La pareja recién casada (1865) de Bjornson (1832-1910), se critica la educación restrictiva de la mujer quien al enfrentar los problemas cotidianos de una mujer adulta, no puede resolverlos. Ibsen ya había trabajado el papel de la mujer emancipada en su Lona Hessel de Los pilares de la sociedad (1877), donde valora de forma positiva la participación de la mujer en una sociedad tradicionalista. Algunos estudiosos, encuentran en este personaje, la semilla de lo que sería posteriormente la Nora de Casa de Muñecas.